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ILUSIONES ÓPTICAS

29 Dic

Si observamos estas imágenes podemos ver que a través de la luz y los colores podemos crear efectos que no existen en la realidad y hacer que nuestro ojo disfrute de un desorden ordenado. Si miramos la imagen de una forma general no seremos capaces de entenderla, sin embargo, si la miramos poco a poco y de un extremo a otro lograremos entender qué hay en la imagen, qué es lo que el ojo ve y como se produce ese efecto óptico.
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Subido por Angomon.

MATERIALES INNOVADORES

29 Dic

HORMIGÓN VEGETALImagen

 

Con este material tan innovador que ha patentado la Escuela Politécnica de Valencia se pueden llegar a construir verdaderas obras de arquitectura en mucho aspectos .

Es un material resistente a las distintas solicitaciones que puede presentar una estructura por tanto nos sirve como elemento portante, también es un material que desde el punto de vista ecológico es magnifico porque nos sirve como fuente de oxígeno y ademas nos retiene aguas de lluvia. En general es un material bastante interesante para nuestros días ya que necesitamos materiales sostenibles y que tengan una función buena para la naturaleza además de su función estructural o constructiva.

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SIGLO XX

29 Dic

ARTE DEL SIGLO XX

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Estas tres obras, La Danza de Matisse, El grito de Munch y Las señoritas Avignon de Picasso, son obras figurativas, ya que todo lo representado en ellas son personas, objetos… aún reconocibles.

La obra de Matisse entra dentro del fauvismo, vanguardia que defiende la continuación de las enseñanzas de Gauguin, sobretodo la perspectiva plana y la independencia del color, esto lo podemos ver en La Danza.

Munch padre del expresionismo, movimiento artístico donde se pasa de representar situaciones a representar emociones. Lo importante del expresionismo era ir más allá de las formas y poder encontrar las emociones angustiosas. Esta vanguardia sigue los pasos de Van Gogh.

Picasso junto a Brague son los inventores del cubismo, teoría de la visión simultanea. El objeto pasa de ser observado desde un solo punto de vista a ser observado desde multiples puntos de vista simultáneamente.

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La otras 3 obras, Acuarela abstracta de Kandinsky, Cuadrado negro y cuadrado rojo de Malevich y Composición de Mondrian son obras abstractas ya que no quieren representar formas que signifiquen nada por si solas, ni escenas….

Kandinsky propuso un arte donde lo único que importaba era la expresión de los sentimientos, si la música creaba en nosotros estados de ánimo, ¿Por qué no podía hacerlo la pintura?.

Malevich propuso una teoría  denominada supermatismo que se basaba en expresar en sus cuadros estados puros de conciencia, sin ser alterados por los sentimientos, como ocurre en Cuadrado negro y cuadrado rojo.

Y por último Mondrian defiende el neoplasticismo basándose en la materia y la esencia, la materia perecedera y accidental y la esencia siempre en equilibrio y en estado puro.

Composición representa ese equilibrio por la rejilla ortogonal y el estado puro por los colores primarios.

La abstracción lirica sobretodo plasmada en las obras de Kandinsky se basa en la expresión de los sentimientos y no en la imitación del mundo sensible. Los sentimientos se expresan a través de formas que por si solas no evocan nada, en sus obras plasma las formas emocionales que la música también dibuja en nuestra imaginación.

 Sin embargo la abstracción geométrica propone expresar estados puros de consciencia sin ser alterados por los sentimientos, son formas geométricas puras e inmutables, ajenas a la naturaleza .

Subido por Angomon

Cézanne

29 Dic

Budapest persigue y atrapa a  Cézanne

Casi siempre resultan indescifrables los vaivenes del destino. Aquellos que en las postrimerías del XIX llevaron al artista maldito, al hombre aislado mental y profesionalmente, a apostarse frente a aquella montaña con la obcecación de, una y otra vez, reducir con el repetitivo movimiento de su pincel su poderosa masa a su mas perfecta abstracción geométrica. También los que introdujeron en la taberna al hijo del banquero que prefirió enriquecerse frente a un lienzo para capturar en un momento trivial a unos jugadores de cartas abstraídos, melancólicos, condensados en su forma cilíndrica mas estilizada, y a la vez, tan profusa. O los que hicieron autorretratarse al pintor con el rostro severo y maduro, cuya obra solo se le reconoció ya cercana su muerte.

Aquel hombre, Paul Cézanne (1839-1906), que en su soledad pudo hallar el arte de la filosofía y de la forma pura, precursor del cubismo y a la vez estandarte del naturalismo, desarrollador del postimpresionismo, es protagonista de una gran retrospectiva sobre su trabajo, inaugurada el jueves en el Museo Nacional de Bellas Artes de Budapest. La ironía es doble, pues no solo encuentra la memoria el creador rechazado sino que, además, lo hace desde  una perspectiva radicalmente diferente a aquella con la que se ha comprendido su obra de manera póstuma, la de su aportación fundamental a la apertura hacia la modernidad.

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La exposición Cezanne y el pasado. Tradición y creatividad presenta, hasta el próximo 13 de febrero en la capital húngara, un centenar de obras entre pinturas, acuarelas y dibujos. El espectacular conjunto procede de más de cuarenta instituciones de todo el mundo (desde el Louvre hasta el albertina vienés, pasando por museos y colecciones de EEUU, la Tate londiense o el Thyssen-Bornemisza madrileño).

El privilegiado recorrido por el planeta Cézanne está acompañado de otras cuatro decenas de piezas de artistas de todas las épocas para, en una vuelta de tornas abarcar la amplitud del trabajo de toda una vida comprendido, por gracia de una posmodernidad que rompió con el relato lineal de la historia, desde su relación con el pasado.

Probablemente el mismo Cézanne se asombraría hoy al ver como tan lejos de su luminosa y amada Provenza natal, en un Budapest hermosamente gris y pesante, sus cuadros se admiran como los de uno de los más grandes creadores de todos los tiempos. “El más influyente pintor para el arte moderno”, en palabras de Nicholas Penny, director de la National Gallery londinense, en el acto de presentación de la muestra.

No ha sido fácil el camino para los responsables del Museo de Bellas Artes de Budapest hasta poder poner en pie semejante cúmulo de tesoros: varias versiones de La montaña de Sainte-Victoire (las más importantes son las procedentes del Courtauld Institute de Londres y de la Phillips Collection de Washington), otras dos de Los jugadores de cartas ( una del Museo de Orsay de París y otra del Metropolitan de Nueva York), Las bañistas (Chicago art Institute) y Madame Cézanne en sillón roojo (Museo de Bellas Artes de boston ) son solo algunas de las obras maestras presentes.

La exposición tiene más mérito aún si se tiene en cuenta el carácter relativamente humilde del museo de Budapest en comparación con los grandes templos del arte a nivel internacional. Sus responsables han sido capaces de establecer una compacta y millonaria red de espónsors, concretamente diversas empresas subsidiarias de una gran aseguradora internacional. Esa red ha aportado casi medio millón de euros que , sumados al apoyo del Estado tras un acuerdo total del Parlamento húngaro (Gobierno y oposición ) han logrado reunir el millón de euros largo que, como explico ´László Baán, el director de la institución, ha costado organizar la retrospectiva. El montante total de los seguros para garantizar el viaje de tal cúmulo de obras maestras, asciende, según datos del museo, a más de mil millones de euros.

Dividida en tres partes ordenadas cronológicamente, la exposición comisariada por Judit Geskó, directora de la colección del Museo a partir de 1800 (quien, por cierto, llevaba 25 años empeñada en llevar a buen puerto esta idea, y otros cinco trabajando sin parar en ella) comienza con las obras de juventud de un Cézanne sombrío y dolido. Junto a sus creaciones, pueden verse piezas de Miguel Angel, de Poussin, de Goya o de Braque, de las que el artista posimpresionista creó estudios y copias y que dejan patente la enorme influencia que ejercieron sobre él.  La segunda sección se adentra en su faceta de paisajista, por la que es más célebre, aunque sin dejar lde lado sus inmortales bodegones o sus expresivos retratos simplificados. Estos últimos componen la tercera y última porción del recorrido, que incluye además de las antes mencionadas, obras de Rafael, de Tiziano, Bernini o Can Dyck.

Prueba de la importancia de este acontecimiento museístico fue la relevancia de los invitados a la inauguración, cuyo representante más ilustre fue el primer ministro húngaro, Viktor Orbán. Su discurso fue más que elocuente para tiempos como estos de recortes en lo cultural:”Hay gente que piensa que en malos tiempos no hay que invertir en cultura, pero nosotros creemos lo contrario. La vida no es solo la lucha por el día a día: la cultura puede mostrar la grandeza, y esa es la prueba de nuestro orgullo nacional”.

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EL PARTENÓN

29 Dic

PARTENÓN

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Este es el  templo más importante de la Acrópolis de Atenas. Se levanta en el Siglo V a C.  cuando aparece el humanismo, gran novedad en el mundo griego clásico. Todo el arte de los griegos giraba en torno al hombre. Los dioses y diosas se representas  como mujeres y hombres.

 La escala de templos y edificios se humaniza, los griegos proponen un arte acorde al ser humano.

Todo el arte griego está relacionado con creencias religiosas, los atenienses eran extremadamente religiosos. Dedicaban todo su tiempo y dinero en adorar a los dioses con grandes  templos.

El Partenon se levanta como templo de la diosa Atenea Partenos que significa Atenea virgen. La estatua de la diosa Atenea era de oro y marfil y estaba en el interior del templo.

El templo del Partenón es de orden dórico, una columna con estrías verticales, en su parte superior un capitel sencillo y un entablamento con  frido, que es una decoración con triglifos y metopas alternativamente, lo más característico del orden dórico.

Actualmente el Partenón está a cielo abierto, la cubierta se fue abajo y parte de la caja rectangular de muro también.

Hoy día queda en pié todo su perímetro de columnas y su entablamento, pero lo mejor conservado es el opistodomos, una de las dos salas que tiene el Partenón.

La planta del Partenón es la típica del templo griego, consiste en una caja rectangular de muros de carga rodeado de orden dórico con sus columnas y entablamento.

El Partenón tenía dos estancias o salas, una principal denominada cella o naos, donde estaba la estatua de la diosa Atenea, a ella no podían acceder los fieles, solo los sacerdotes paganos, y una segunda cámara (opistodomos) a la que se entraba por la parte trasera del Partenón y servía para guardar el tesoro de la polis griega y los tesoros que los griegos ofrendaban a la diosa Atenea. A esta sala los fieles no podían pasar, incluso estaba penado  a muerte.

El Partenón está construido entero de mármol, lo que es una hazaña por ser este tan difícil de tallar, cortar… Es una gran joya.

 

Se construida en primer lugar una base plana, un basamento escalonado para separar el templo de la humedad del suelo, a partir del basamento se van levantado las columnas, formadas por pequeños tambores (cilindros de mármol) unidos unos a otros por pequeñas estas de madera.

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Las columnas no eran cilindros perfectos ya que estaban abombadas para quitarle rigidez al edifico.

La columna se terminaba con el capitel y encima de esta el entablamento construido a base de vigas superpuestas uniendo una columna con otra.  La viga del centro estaba decorada con metopas y triglifos y por último una cubierta inclinada para salvar las lluvias, construida con viguetas de madera, tabiquillos y teja plana.

En los dos  frontones aparecían escenas talladas.  Es una estructura adintelada, todas las piezas están colocadas en seco sin ningún tipo de cemento de unión (argamasa).. El Partenón tiene un paso perimetral entre las columnas y la caja de muro de carga.

Las metopas del entablamento son obra del artista Fidias, así como todos los relieves escultóricos del Partenón, tanto las del interior del entablamento como los frontones donde se representa el nacimiento de Atenea en uno y en el otro una pelea con Poseidón.

Fidias manejaba el mármol con un nivel virtuosísimo, en la imagen tenemos la representación de un centauro enfrentado a un hombre, logra una total comunicación de los sentimientos, una gran belleza.

Fidias representa totalmente la anatomía de las estatuas por debajo de los ropajes creando la técnica de los ropajes mojados. No hay nadie que haya igualado esa anatomía tan perfecta por debajo de los ropajes.

El Partenón es todo de mármol que después los griegos pintaran. Históricamente toda la arquitectura se ha pintado, siendo los colores más utilizados el blanco, rojo y azul. Para los griegos el material al natural no era suficiente para los dioses.

Los griegos introdujeron correcciones ópticas, lo que eran autenticas sutilezas de los templos, creadas para hacer de los templos más perfección. Curvaron todas las líneas horizontales, el basamento fue curvado para evitar el agua de lluvia y para mantener el paralelismo de sus horizontales, también curvaron el entablamento.

Otra de las correcciones, es la éntasis de las columnas, estas no eran totalmente cilíndricas, sino que cada tambor era de distinto diámetro, logrando unas columnas abombadas para quitarle rigidez visual al edificio y aparentar un organismo vivo.

Era una obsesión por lograr más armonía, belleza, grandeza.. Las dimensiones del Partenón son aproximadamente de 30,90 m x 69,50 m, estas medidas responden exactamente a la relación de 4 a 9, una proporción ideal para los griegos,  garantía de belleza.

 

 

 

30,90/69,50 = 0,446 = 4/9

 

El alzado también tiene esta proporción, garantía de armonía = belleza.

Otra garantía de belleza suprema es la regla matemática:

N = 2n + 1 que obsesiona a los griegos.

N = nº de columnas del lado largo

N = nº de columnas del lado corto

N = 2 . 8 + 1 = 17

 

El Partenón es una gran construcción con tanta belleza, armonía, proporción… que se puede reconocer como obra de arte. Es un edificio espectacular que verdaderamente merece la pena visitar y contemplar.

Gracias a la buena construcción y al abuso del material de los griegos, actualmente se conserva en pie parte del Partenón.

Subido por Angomon

ARTE EN LA COCINA

22 Dic

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La cocina ha evolucionado durante estos ultimos años hacia una cocina de sensaciones, la cocina moderna intenta expresar sensaciones contradictorias a las que nos evoca la mirada, como la gastronomia molecular, la cual mediante formas y colores puramente artificiales, apetitosos a la vista te trasmiten sensaciones por medio del gusto, las texturas y el olor completamente diferentes a lo que ves, consiste en concentrar sabores y controlarlos, equilibrarlos y ordenarlos de una manera intencionada.

La cocina pues se convierte en un estilo artistico donde el pintor es el cocinero que con una paleta de sabores, miles de sabores como colores, los distribuye en un lienzo que en este caso es un plato, donde adquiere un equilibrio, una armonia, un tono unico que te hace disfrutar al verlo y al probarlo.

En la cocina moderna se busca como en la pintura y escultura lo abstracto, ya no se buscan idealizaciones o figuraciones que te señalen que es lo que estas comiendo. Sino que es una incognita que solo tu puedes descubrir mediante un titulo o probando un trozo.

¡Buen provecho!

 

Publicado por Cenova

Erik Johansson: Retoque fotografico

22 Dic

Erik Johansson, un sueco de 25 años, estudiante de ingeniería informática y amante de la fotografía, muestra un gran talento manipulando la realidad que capta el objetivo de su cámara componiéndo imposibles y espectaculares escenas mediante el fotomontaje

Erik descubrió que era algo divertido cambiar las fotos en formas diferentes, primero empezó con las fotos familiares y después las de las fiestas de sus amigos. En el 2007 decidió obtener su primera cámara DSLR.

Al poco tiempo estudio Diseño de Interacción en la Universidad Tecnológica de Chalmers, en Gothenburg. El comenta que: “ser estudiante y fotógrafo free lance no siempre es fácil y el tiempo nunca es suficiente”. Por otro lado comenta que el diseño le parece muy interesante, pero al mismo tiempo le gusta fotografiar y realizar sus ideas. Comenta: “casi todo el tiempo tengo nuevas ideas, y por lo general hago un boceto o escribo una nota en una hoja de papel, de otra manera sé que las olvidaría”.

La mayor parte del trabajo que ha hecho hasta ahora han sido proyectos personales para descubrir y experimentar con técnicas diferentes. “Siempre aprendo algo nuevo cuando hago una fotografía”

Ha aprendido todo lo que´sabe prácticamente solo y atraves de clases tutoriales de web y revistas.

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